Las expresiones "Hacer sociedad" o "Vivir juntos" son tan loables como vanas si no están ancladas en un principio de realidad tangible. Más allá de las leyes, estados y estructuras de poder que delinean sus contornos, ¿cuál es la realidad orgánica de nuestras interrelaciones? A pesar de ser conscientes de la importancia de la cohesión social y sentir el deseo de contribuir a ella, ¿cómo podemos fomentar el encuentro de nuestras energías? ¿Qué compartimos, con quién, en qué contexto y para qué proyecto?

Desde las refinadas teorías de la filosofía política hasta la demagogia latente de nuestros representantes, nuestros modelos sociales se están uniformando, nuestro comportamiento se está formateando e individualizando, aplastando nuestra voluntad compartida pero aislada de experimentar lo común. Las desigualdades sociales aumentan cada día, la gestión impone sus valores más que el compromiso sincero y desinteresado con los demás, la indiferencia prevalece sobre la solidaridad. Sin embargo, si prestamos atención, lo común está en todas partes. En una ola en un estadio de fútbol, estremeciéndose a través de las gradas; en un coro espontáneo gritado por la multitud en un concierto; frente a una impresionante puesta de sol junto al mar, o en una cabaña construida con amigos. La experiencia de lo común es un cuerpo social que tiembla con la misma piel, grita con la misma voz, se maravilla con los mismos ojos y construye con las mismas manos.

Un terreno común a pesar de nuestras diferencias, la cultura es un lugar para reunirse. Construyendo puentes hacia la isla asentada sobre raíces utópicas que es LagoAlgo, esta exposición pretende despertar la increíble sinergia adormecida por nuestra vida cotidiana dentro de una experiencia activa de obras concebidas no como objetos de entretenimiento, sino como caminos para explorar juntos. Esta renovación de la utopía—en un momento en que los modelos de transformación social parecen agotados—no es un regreso al ideal, sino una invitación a pensar en la brecha, el error y la multitud como fuente de una fertilidad híbrida. En lugar de confiar en el regreso del crecimiento y pensar que resolverá todos los problemas sin crear nuevos, en lugar de soñar con El Dorado, mañanas cantantes y ciudades ideales, hay una necesidad de reinvertir en la sociedad civil en todo su potencial actual.

Compartiendo obras que abordan estos temas mientras generan situaciones concretas que proporcionan el dinamismo y la reunión necesarios para su consideración, Shake Your Body reúne a 7 artistas internacionales que encarnan el empoderamiento colectivo: :mentalKLINIK (1967/1972, Turquía), Andreas Angelidakis (1968, Grecia), Stefan Brüggemann (1975, México), Vivian Caccuri (1986, Brasil), Pia Camil (1980, México), Rafael Domenech (1989, Cuba) y Alicia Framis (1967, España).

En un momento de competencia permanente entre individuos fomentada por las redes sociales, el dúo :mentalKLINIK (1967/1972, Turquía) disloca materiales mundanos para crear una nueva forma estética que es seductora. Su universo puede experimentarse como festivo y glamoroso, pero también sorprendente y abrasivo, tan violento y paradójico como un mal viaje después de una fiesta. Reclaman el lenguaje visual brillante y autoritario de los medios y la cultura nocturna en un clima de hiperestimulación sensorial. Con Are You Liked Enough (2022), el espacio de exhibición se convierte en una discoteca y un reino digital, ambos llamando a la validación de otros desde la entrada hasta el selfie en el espejo. Con Terribly Jolly (2022), el dúo desafía nuestra atracción unánime por los objetos brillantes y seductores y nuestra reflexión en sus meandros paradójicos. A través de un dispositivo cromático inmersivo, la realidad se desvanece entre lo falso y lo superficial. Los oxímoros de neón o cromo revelan el característico sentido de poesía acerba de los artistas e invaden el espacio a través de otras formas: abstracciones tan brillantes que llegan a ser cegadoras y un video en el que el glitter y las lentejuelas se convierten en desechos de fin de fiesta. En un equilibrio de ironía, reflejan los efectos del capitalismo acelerado y desafían nuestras relaciones con nosotros mismos.

Andreas Angelidakis (1968, Grecia) aborda la cuestión de la especificidad del sitio en el momento de su multiplicidad. Crea instalaciones inmersivas co-construidas con el público en nuevos y divertidos espacios habitables. Fascinado por las ruinas del paisaje urbano ateniense, tanto antiguas como recientes, invoca la noción de ‘post-ruina’, telescopiando diferentes temporalidades. Utilizando software de diseño e Internet, construye mundos virtuales para fomentar la aparición de otras formas de sociabilidad. En sus videos y animaciones en 3D, cuestiona la naturaleza específica de los sitios en la era de la ubicuidad digital, anticipando las ruinas de nuestra era contemporánea. Entre entrar cuidadosamente en la habitación de un adolescente y ser atraído a un videojuego, el artista emprende un viaje a Athens By Night (2022) y explora las ruinas digitales de nuestro tiempo. Transforma un viaje a través de los restos de la antigua ciudad en un entorno inmersivo, cuestionando la historia de Atenas frente a otros futuros posibles. Como muchos fragmentos arqueológicos de mármol griego, los módulos de cojines de espuma se multiplican en copias de sí mismos, son movibles y apilables, se prestan a la interpretación libre de los visitantes. En una ciudad lúdica similar a un metaverso, se invita a las personas a descansar, discutir, soñar despiertos o participar en una construcción permanente colectiva que apunta a reconstruir mundos comunes. De Grecia a México, el artista insiste en nuestro poder de reunir las piezas de nuestra cultura, tanto materialmente recibidas como digitalmente compartidas.

Alicia Framis (1967, España) es una artista cuyo trabajo a menudo parte de dilemas sociales reales para desarrollar nuevos entornos que sugieren soluciones. Utiliza espacios sociales urbanos para abordar la experiencia humana, nuestras frustraciones y ansiedades, al tiempo que crea salidas para nuestros sueños y deseos a través de interacciones sociales creativas. La exposición comienza cuando invita al público con Leave Here Your Fears (2022) a abandonar prejuicios mientras entran al edificio. Un alivio necesario para recibir y dar a los demás al dejar ir nuestras aparentes diferencias. El recipiente en forma de diamante espejado opera tanto como un memorial para nuestros miedos abandonados como un santuario para conectarnos con el mundo como parte consciente de él. Al permitir que las personas materialicen y eliminen sus pensamientos tóxicos diarios, Alicia Framis libera a quien esté dispuesto a dejar sus bucles mentales y esté disponible para el otro.

A través de objetos, instalaciones, performances y música original, Vivian Caccuri (1986, Brasil) crea situaciones que desorientan la experiencia cotidiana y, en consecuencia, interrumpen percepciones sedimentadas en la cultura y arraigadas en estructuras cognitivas. Investiga el impacto físico, sociopolítico y espiritual del sonido, especialmente los no deseados o subalternos. Con The Weeping Dancer (2022), utiliza la imagen y función del altavoz como una herramienta de poder. Velas de colores encendidas se colocan frente a la monumental fachada de un sistema de sonido, desde el cual los subwoofers emiten una pieza musical apenas perceptible creada por la artista, reclamando nuestra atención, tanto visual como auditiva. Inspirada en la música cristiana primitiva, la artista busca formas sonoras en las que el bajo todavía actúa como un vehículo para la mente a través del cuerpo y la piel. Sostenidas por soportes de micrófono, las llamas en movimiento funcionan como muchas voces potenciales que luchan por existir contra el poder estructural de la sociedad simbolizado en un altavoz con forma de rascacielos.

Utilizando la flexibilidad del textil y el potencial estético de la ropa de segunda mano para apoyar sus experimentaciones escultóricas antropológicas, Pia Camil (1980, México) explora las relaciones entre cuerpos y arquitectura, domesticidad y consumismo, o arte y espectáculo. El disfrute colectivo y la activación de sus piezas performativas enfatizan la importancia de la colectividad y su celebración, al tiempo que forman una posición crítica. Con su instalación Bara, Bara, Bara (2022), literalmente incorpora lo social al vestir a todos juntos. Unificados en velas monumentales hechas de una multitud de camisetas de colores y estampadas intercambiadas en los mercados de la Ciudad de México, al poner nuestras cabezas a través de los agujeros restantes, la conexión va más allá del grupo que visita, sino también de aquellos que usaron la ropa y de aquellos que lo harán. A través de su selección, la artista crea un collage-patchwork de eslóganes que forman una instantánea de la conciencia y aspiraciones colectivas post-capitalistas, llamando la atención sobre experiencias compartidas y desigualdades con el comercio y los mecanismos de la globalización.

En su práctica, Stefan Brüggemann (1975, México) se interesa por el lenguaje y las "palabras que se convierten en imágenes," cuestionando la idea de la transferencia o imagen de la información. Explora situaciones donde el lenguaje se convierte en una forma de reflejar el evento. Conocido por confrontar las formas aparentemente distantes del graffiti de rebelión urbana y el arte conceptual, despliega un vocabulario único de "minimalismo punk." Junto con PienZa Sostenible, una organización sin fines de lucro con sede en Ciudad de México que se enfoca en la Agenda 2030 para el Desarrollo Sostenible, Brüggemann creó ODS (2017). Esta obra reflexiona sobre las contradicciones políticas mexicanas superponiendo en espejos datos clave sobre México en los 17 Objetivos de Desarrollo Sostenible de la ONU. En una confrontación tipográfica, el discurso popular en forma de graffiti—la firma del artista y una de las formas más primarias de demanda política que resuena particularmente con la historia del muralismo mexicano—confronta el discurso administrativo en Arial Black. Forzados a verse a sí mismos a través de datos transcritos más completos, ambos actores confrontados con la pieza se sumergen en esta brecha a menudo descuidada entre poder y hechos, recuperando las herramientas de su capacidad de acción.

Finalmente, Rafael Domenech (1989, Cuba) concibe objetos que colisionan en el espacio, organizando una secuencia de obras con conexiones físicas o teóricas en un sistema más amplio, especialmente su propia fabricación. Su trabajo explora cómo la obra de arte es parte de un ecosistema de prácticas fuera del estudio, dentro de la institución y más allá del arte. Una historia de relaciones humanas antes que consideraciones estéticas. El artista invade el espacio con un manifiesto espacial, donde cada elemento—desde muebles modulares y lámparas hasta divisores de espacios—es una estructura que muestra texto o imagen. A través de una serie de talleres, el artista extiende la exposición fuera del espacio expositivo e invita a los visitantes a llevarse sus producciones a casa. La combinación de todos estos elementos concluye en un ensayo visual inmersivo que explora cómo los individuos negocian los espacios urbanos, las comunidades y los sitios. Model to Exhaust a Lamp (2022) también explora cuestiones fundamentales de producción, creando espacios de colectividad.

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